Ар деко. Французская формула роскоши

В отличие от других стилей мирового искусства и архитектуры, даты развития которых весьма расплывчаты, начало стиля ар деко установлено предельно точно – это 28 апреля 1925 года. Именно в этот день в Париже открылась Международная выставка декоративного и промышленного искусства (Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Moderne), выявившая характерные черты нарождающегося стиля и давшая ему название. Правда, название это прижилось не сразу, а лишь 40 лет спустя с легкой руки искусствоведа Бевиса Хилиера…

На выставке, призванной продемонстрировать ведущую роль Франции в развитии прикладного и промышленного искусства, а также мировые тенденции его развития, выявилась два основных направления. Первое, впоследствии названное функционализмом, утверждало безыскусные и технологичные формы, и было направлено на удовлетворение насущных потребностей всех слоев общества, а заодно и уменьшение социального напряжения после революционной волны 1917 – 1920 годов. Наиболее ярко это течение было представлено в работах Ле Корбюзье и Константина Мельникова, получившего Grand Prix за проект советского павильона. Второе же направление, отличавшееся декоративностью и вычурностью, отражало интересы и склонности пришедшей в себя буржуазии. Предпринятые после войны мэтрами ар нуво (Гектором Гюмаром, Луи Мажорелем и другими) попытки возродить стиль „линейной истерии“ окончились неудачей, а поскольку, как известно, свято место пусто не бывает, на выставке 1925 года критики пытались подыскать ему адекватную замену.

Одним из самых оригинальных объектов выставки стал интерьер павильона „Коллекционеров“, оформленный опытным мебельщиком-краснодеревщиком Жаком-Эмилем Рульманом. Пластическая гибкость ар нуво сочеталась здесь с роскошью и разнообразием материалов барокко, а многочисленные инкрустации деревянных панелей имели явный отпечаток модернистских течений начала ХХ века. Именно эта комбинация классического наследия и современных художественных средств и была объявлена основой нового стиля. Благодаря средствам массовой информации новые веяния быстро распространились по Европе и за океаном, приобретая в каждой стране иные формы и в то же время сохраняя связь с французской культурой. Важным было то, что идеологи ар деко смогли предложить публике новое представление о современной роскоши, которое было тут же востребовано.

Одна из прописных истин истории искусств гласит, что новые веяния и тенденции наиболее ярко проявляются в архитектуре. В случае с ар деко это верно, но лишь для США, где потрясающие все и вся башня Radiator building, небоскребы Empire State Building и Chrysler стали эталонами новой роскоши. Во Франции достижения архитектуры этого периода гораздо менее значимы – возможно, потому, что сама идеология стиля была направлена не на внешнюю помпезность, а на комфорт и роскошь в повседневном окружении. Конечно, возводились весьма эффектные здания, как, например, павильоны той же Международной выставки, в которых четко проявились черты нового стиля – симметрия, монументальность, ступенчатая структура зданий, большая площадь остекления, крупномасштабный декор в виде скульптур и барельефов. Такие же черты были свойственны гостиничному и транспортному строительству. Например, широкий фасад здания вокзала в Руане (архитектор Адольф Дерво, 1926-28) выполнен строго симметричным. Его украшает большое количество окон, а также два пилона с огромными аллегорическими скульптурами (следует заметить, что Эйлиел Сааринен соорудил в Хельсинки нечто подобное аж двадцатью годами раньше). Экспрессивная выразительность транспортных средств нашла отражение не только в американской, но и во французской архитектуре. Это заметно по зданию гостиницы Belvédère в Цербере (архитектор Леон Байле, 1928-32), которое своим легким остроугольным силуэтом с круглой лестничной площадкой во главе угла напоминает океанский лайнер.

По мере развития художественный арсенал ар деко пополнился средствами позаимствованными в доколумбовой Америкe, Африкe и Океании, Китаe и Древнем Египтe, смешанными с достижениями кубизма, фовизма и прочих модернистских течений. У первых были переняты орнаментальные и декоративные мотивы, а у вторых – яркие сочетания цветов и четкие геометрические формы. Сыграл свою роль и технический прогресс – изображения машин, механизмов и транспортных средств, сильно впечатлявшие современников, были буквально канонизированы и применялись повсеместно. Правда, в отличии от США, где повальное увлечение авиацией после исторического перелета Чарльза Линдберга привело к триумфу так называемого „обтекаемого“ стиля, во Франции дизайнеры весьма уверенно увлекались техникой – в основном поездами и автомобилями – и придавали большее значение изучению исторического наследия – от барокко до ар нуво.

Хотя учебники по истории искусств обычно противопоставляют ар деко раннему функционализму, между этими стилями было много общего – например, тяга к обобщенным геометрическим формам, выявлению чистых, необремененных декором поверхностей и натуральных свойств материалов. Правда, материалы „буржуйского“ стиля были значительно дороже. Для изготовления мебели, например, использовалась нержавеющая сталь, литая бронза и экзотические породы древесины (розовое, черное дерево). А для ее отделки – перламутр, слоновая кость, черепаховый панцирь, хрусталь и полудрагоценные камни. Особая роль отводилась натуральной коже, которой покрывались части не только мягкой, но и корпусной мебели, а также настольные аксессуары (портсигары, подставки, пюпитры). В „расход“ шли всевозможные экзотические животные: крокодилы, змеи, акулы, скаты, угри и даже небольшие ящерицы. Например, известнейший шифоньер работы Андре Гру, напоминавший женский торс, был изготовлен из красного дерева и отделан слоновой костью и акульей кожей. Использовались и меха, в частности, шкуры леопарда и зебры. Некоторая схожесть эстетических позиций позволяла декораторам работать поочередно в обоих стилях и даже смешивать их друг с другом. Например, известная художница Эйлин Грей, ирландка по происхождению, большую часть жизни работала во Франции, где после Первой мировой войны создала ряд интерьеров и образцов мебели, ныне почитаемых классикой ар деко, а в начале 30-х годов начала творить более скромно и рационально, чем заслужила благосклонность самого Ле Корбюзье. Проекты мебели Эйлин Грей оказались настолько удачными, что более 20 из них находятся в производстве и по сей день.

Наиболее действенной формой пропаганды нового стиля были „постановочные“ интерьеры, сооружаемые для выставочных залов и фотосессий. Можно смело сказать, что в деле комплексного оборудования жилых интерьеров французским декораторам не было равных. Монументальность форм мебели они смягчали рисунками ковров и гобеленов, а яркость дневного света дополняли блеском хрустальных светильников. Характерной чертой французского ар деко было внедрение в интерьер мелкой пластики и объектов изобразительного искусства. Например, для декоративной скульптуры было даже введено понятие „кабинетного формата“, в котором зачастую воплощались фигуры легкомысленных танцовщиц, наподобие небезызвестной Джозефины Бейкер. Другим популярным видом пластики были вазы и панно из декоративного стекла, наиболее известным поставщиком которого была мастерская Рене Лалика. В интерьерах также вывешивалось множество панно и картин – в основном обобщенных фигурных композиций и портретов в стиле Тамары де Лемпицкой. Причем живопись располагалась не только на стенах – по китайской традиции расписывались и матерчатые ширмы.

Важным составляющим элементом интерьеров ар деко был текстиль в виде обоев, гобеленов, занавесей, ширм. На его развитие оказал значительное влияние один из феноменов русской культуры – балет Сергея Дягилева, успешно гастролировавший в Париже в 1910-м году. Декорации и костюмы спектаклей „Шехерезада“, „Клеопатра“, „Павильон Армиды“ были выполнены Леоном Бакстом в нарочито варварском псевдовосточном стиле с использованием непропорциональных силуэтов и ярких, даже агрессивных цветовых соотношений. Русские балетные сезоны имели оглушительный успех у французской публики и мгновенно породили спрос на восточную экзотику. Удовлетворять его взялись несколько кутюрье, среди которых был Поль Пуаре, открывший в 1912 году специальную школу Atelier Martine для популяризации идей ар деко в сфере моды и текстиля. После войны в моду также вошла стилистика фовизма и кубизма, успешно использованная известными стилистами, в том числе и знаменитой Коко Шанель.

Модное увлечение машинами и механизмами проявилось не только в стилистических изысках ар деко, но также непосредственно применялись в разных образцах техники. Наиболее известным шедевром французского „транспортного“ ар деко бесспорно стал трансатлантический лайнер Normandie. Спущенный на воду в 1932 году корабль вступил в эксплуатацию только в 1935-м – столько времени заняла внутренняя отделка корабля, на которую было затрачено неслыханная по тем временам сумма – 55 млн. долларов. Решение о постройке судна было не только коммерческим, но и политическим шагом, знаменующим окончание эры Великой депрессии, поэтому строительство частично финансировало правительство Франции. К отделке огромного обеденного салона, театрального зала, магазинов, ресторанов и сотен кают первого класса был привлечен цвет французских декораторов во главе с Ричардом Боуэнсом и Роджером Экспером. Они собственноручно выполнили лишь часть проекта, а для выполнения остальных работ привлекли Жана Дюнана, Жана Дюпа, Раймонда Сюбе и других известных авторов. Было при- менено немало интересных стилистических решений. Например, по конструктивным причинам в огромном обеденном зале на 700 посадочных мест не было ни одного окна, поэтому главным источником света стали 12 стройных вертикальных пилонов из прозрачного стекла Lalique с внутренней подсветкой, а так-же 38 9-метровых светящихся колонн на боковых стенах зала.

В интерьерах корабля дизайнеры старались подчеркнуть не только помпезность „плавучего дворца“, но и атмосферу быстроходного транспортного средства, коим являлась Normandie. Поэтому наряду с фигурными панно и прочими объектами изобразительного искусства, в каютах, столовых, читальных и игровых залах присутствовала весьма лаконичная мягкая и корпусная мебель, встроенные светильники и плафоны строгих геометрических форм. Достижения французских корабелов и дизайнеров вскоре стали известны всему миру (в частности, о них восхищенно отзывались сатирики Илья Ильф и Евгений Петров по пути в „одноэтажную Америку“) а интерьеры Normandie породили множество подражаний не только на море, но и на суше. Хотя гордость Франции постигла горькая участь – осенью 1942 года корабль затонул прямо в ньюйоркском порту – большинство произведений прикладного искусства было сохранено и поныне хранится в французских и американских музеях.

В огне Второй мировой войны сгорел не только корпус Normandie, но и последние амбиции французской аристократии. В трудные послевоенные годы возрождать напыщенную эстетику ар деко было не из чего, да и некому. В истории искусств этот стиль навсегда остался олицетворением изящества, мотовства и беспечности короткой межвоенной эпохи.